陶藝家陳品妤個展「Happy Island」 日常元素反映社會現況

從服裝設計到遊戲動畫，最後再將手撫上陶土，在來自台灣的華裔藝術家陳品妤(Pin-Yu Chen)彎彎繞繞的創作旅途中，她所追求的並非絢爛，而是一份能實際握在手中的平靜。在近日落幕的首次個展「Happy Island」中，她將這份信念化作汪洋，讓桌上的一件件雕塑承載著她對日常生活、社會現實與家鄉記憶的溫柔觀察。

展場多數作品都源於尋常的生活物件：模擬奢侈品牌造型的靴子，指向她對階級差距的思考；牛仔布配色的碗，隱喻工薪階層的勞動日常；而在紐約生活不可忽視的老鼠，也悄悄出現在作品之中。而透過燈光的安排，整個地下室被塑造成一片幽暗的海域，雕塑如同漂浮其上的島嶼，指涉著台海局勢下的政治張力。

看似充滿明確的訊號，然而，陳品妤並不希望自己的作品僅停留在批判。相反地，她更傾向將那些無奈與焦慮轉化為童趣的物件，正如她在研究所畢業時曾被教授稱「你好像一點都不痛恨人類」的評論。因為對她而言，創作的動能並非來自憤怒，而是從她與世界相處的方式吸收而來。

畫家爸叮囑別當藝術家

不過，要走到辦展之前，陳品妤其實繞過不少路。她出生於一個充滿藝術與音樂氣息的家庭。父親是畫家，母親則喜歡捏陶，在耳濡目染之下，她從小便對美產生興趣。但父親在年輕時因為經歷藝術產業轉型的衝擊，看見許多同業因市場變化而難以維生，從小便反覆叮囑她「絕對不要當藝術家」。

在心中的聲音與父母的耳提面命之間來回矛盾，她選擇了一條看似更實際的道路。大學先學習服裝設計，之後進入紐約普瑞特藝術學院(Pratt Institute)攻讀遊戲設計與動畫，希望能在數位產業中找到穩定的工作機會。然而長時間面對電腦與數位畫面的工作模式，卻逐漸讓她感到壓力與疲憊。「一直被數位世界轟炸，心情其實很悶」。

轉折，出現在普瑞特的一堂陶藝課。與平面的動畫不同，陶土是一種雙手可以直接觸摸的媒材，一塊泥土從塑形到燒製，需經過長時間的等待與反覆處理，每個步驟都帶著不可逆的風險與偶然。「我覺得陶土這個媒材很直接，跟我的個性也很像，雖然每個作品都要燒兩次是很花時間，但製作的方法不只很直觀，也可以保留人的溫度跟觸感。」

疫情期間她回到台灣，並在一位陶藝藝術家的工作室擔任助理，不只讓她以不同角度理解陶土的可能性，也重新思考自己未來的創作方向。爾後，她決定回到紐約並在哥倫比亞大學視覺藝術研究所進修，逐漸確立以雕塑與陶土為主的創作語言。

陶土慢節奏帶來安定感

對陳品妤而言，陶土的慢節奏反而帶來某種安定感。在藍光中不斷被轟炸的那些年，陳品妤開始接觸瑜伽，將腦中的噪音在舒展肢體之間釋放，而陶土，在某層面上也與瑜伽有著異曲同工之妙。人類的心靈擁有其脆弱性，陶土亦然，經歷過巨大的壓力塑形後，還是有可能在不經意之間摔個粉碎，可當我們擁抱自身的脆弱，便能藉此鍛鍊出心理韌性。這樣的相呼應，也讓陳品妤感受到「想要獲得心靈的安定其實是需要訓練的，」透過雙手與泥土的接觸，她慢慢找到一種與世界保持距離、同時又能重新連結的方式。

這樣的心境，也反映在「Happy Island」的作品之中。許多作品元素都來自她對台灣生活的記憶。她將作品放在彷彿台灣街邊小吃會看見的鐵桌上，一個以鐵製鉛筆盒為靈感的雕塑，源自她童年在教室中使用的文具，那摔在地上造成的巨響，也讓她回想起在台灣為「不影響別人」而兢兢業業的日常；小橡皮擦停在馬克杯上的作品，則來自她小時候喜歡在課本邊角畫畫的記憶。這些細碎的日常物件，在她的作品裡被重新組合，成為各自漂浮的小小世界。

孤立又相連的陶土世界

在她的想像裡，每一件作品就像海上的一個小島，看似孤立，卻又彼此相連。對許多台灣人而言，在政治與國際局勢的壓力之下，生活仍然持續前進，人們依舊在日常之中尋找微小而確切的快樂。因此，「Happy Island」既是對家鄉的投射，也是對生活的一種態度。那些看似可愛、甚至帶著一點幽默感的雕塑，其實都隱藏著更複雜的情緒，如同台灣人平靜之下的焦慮。

藝術未必需要宏大的敘事，陳品妤更希望自己的作品能像生活中的物件一樣，出現在人們的日常空間裡，被觸摸、被使用，甚至陪伴人們度過某些時刻，能與觀眾產生更深的共鳴。或許正是在這樣的信念之下，她冥冥之中最終仍然回到了父親曾經試圖讓她遠離的那條路。只是這一次她所想掌握的，不再是遠方看不見的理想與當下的迷茫，而是一份回歸自身的寧靜。